How do the Internet and technology influence the arts, and how do artists respond to the digital age through the materiality of the art object? What materialistic strategies do they utilize to depict the digital realm in their works? In Projet Pangéeâ€s group exhibition Futuristic Future the artworks by Lauren Pelc-McArthur, Amy Brener and Cat Bluemke seek a digital aesthetic through the use of non-digital materials. The artists challenge the traditional media of painting and sculpture in order to create a technological aesthetic which creates ambiguities in the viewerâ€s perception of the works. The artworks playfully reveal the tension between non-digital materials and the move towards digitization within the arts.

Upon entering the gallery, Pelc-McArthurâ€s series of acrylic works titled Normal Paintings set the tone for Futuristic Future, as they frame the exhibition across all four walls, establishing a pseudo-digital space. The painting’s abstract surfaces were built by the thick application of white paint, which was then topped by a light spray of fluorescent colours to highlight the texture, creating a sense of movement and light. The combination of the unconventional use of fluorescent colours generates an outer-worldly glow; the repetitious textures reference the interior of computer hardware such as CPU sockets, RAMs and ports. While the aesthetic of these works cites the digital realm, the materiality of the paintings allude to Abstract Expressionism.

Bluemke references virtual reality with her small hologram sculptures, which are placed on large, white plinths at the center of the gallery space. The enigmatic glass objects may lead visitors to assume that the artworks are technologically advanced artifacts. Perhaps they are futuristic tablets? However, upon further inspection one comes to realize that what appears to be a hologram are actually figures which are drawn directly onto the pieces of glass. The glass itself acts like a prism, as the gallery’s lighting is refracted by the sculptures. The figures etched onto the glass are representations of saints who have been heavily referenced in Western art history: Saint Sebastian, Saint Lucia, and Saint Agatha. The artist’s rendering of the biblical hero David stands out, as his bust appears to magically float in space. Bluemke’s work plays on the tension of digitized representation and Renaissance motifs.

Brenerâ€s series of hanging sculptures titled Flexi-Shield suggestively emerges as a memory storage device, through its fossilization of both natural and manufactured ‘artifacts.†The series consists of plasticized, skin-like dresses in pink and purple hues. Embedded in each dress are various types of small objects like leaves, flowers, paperclips, and buttons, creating intricate designs. The natural light streaming through the gallery’s windows reveal the textures within the translucent material, allowing patterns to emerge across the surface which resemble keyboards and computer hardware. Perhaps these dresses represent portraits of specific people, as the objects inside the material could reference significant memories. The series creates an interaction between traditional and digital forms of archiving through the use of found materials.

The artists featured in the Futuristic Future exhibition explore and define a digital aesthetics by using non-digital materials, while concurrently forming a dialogue with traditional Western art historical subject matter, methods, and styles. As artists increasingly move to the Internet and cutting-edge technologies to create art, Futuristic Future questions the fate of non-digital materials: will they become obsolete or will tradition continue to allow for their existence?

Opening last week, the biennial – currently in its 14^th edition – features 29 artists (emerging and established) from 11 countries who will exhibit at 16 sites across Montreal over the month long event. Four artists will present their work in Belgo Building galleries. Conceptual artist and curator, Joan Fontcuberta, conceived of this yearâ€s theme, The Post-Photographic Condition. Each of the exhibits and the related discussions fit within one of the biennialâ€s three core conceptual frameworks, also conceived by Fontcuberta.

The first framework sees an exploration of the idea that weâ€re witnessing the establishment of a new visual order, which is changing the way images are understood and used. Images have now become immaterial, viewed solely as digital objects, and more easily shared than ever; the landscape is characterized by a massive increase in the number and the availability of all kinds of images. Their ubiquitous nature now means that photographs are not valued in the way they once were. Their ease of use, and ease of transmission, has also made communicating via images a day-to-day experience for most people.

Fontcuberta calls the second conceptual idea Reality Reloaded, with obvious reference to The Matrix. In the same way Neo plugged into the matrix, we are now able to engage with a parallel reality in the online world. Although the Internet can be said to act as a mirror of the real world, this mirror and our perception of the reflection is not always accurate. The line between reality and illusion, lies and truth, can be impossible to ascertain. Fontcuberta poses the questions: is what we see on our screens just an interface between subject and object, or is the online image its own reality – a documentation of the world in image form, and ultimately a new form of reality?

In the third framework, Reviewing the Subject, there is a dialogue discussing the way digital culture is changing our construction of society, and the fashioning of our individual identities. The “selfie” has created a new genre of imagery. It has had a huge effect on how people present their own image to the world – itâ€s the first time in history people have had complete and utter control over how their own personas are perceived by others. Even though, people’s reactions to these images are not always predictable.

The biennial also features a number of events, including: the presentation of the Dazibao Prize, artists†talks, a portfolio review session, workshops, and guided tours. MPM will conclude with a three-day conference, “À partir dâ€aujourdâ€hui … Reconsidering Photography,” in which nine invited scholars will give papers and form panels to discuss the theme and its associated issues. The biennial runs until October 11, 2015.

The Belgo Building will host four artists as part of the biennial:

Centre des Arts Actuels Skols
Christina Battle, “The people in this picture are standing on all that remained of a handsome residence.”

Galerie B-312
Liam Maloney, “Texting Syria”

Galerie Joyce Yahouda
Paul Wong, “Multiverse”

SBC Galerie dâ€Art Contemporain
Isabelle Le Minh, “Tous Décavés”

Processes that give rise to forms are at the heart of Bader and Kolbâ€s artistic work. After the artists generate intricate shapes in virtual space, the objects are brought into the real world through 2D and 3D printing, or are animated as seen in the Video A Unified Approach to Grown Structures, which was screened during the recent Art+Science in Motion Short Film Festival at Visual Voice Gallery.

For their exhibition Generative Methods, Bader and Kolb present works on paper from their series Kuglen (Spheres) and Ringe (Rings). The creation of the rings and spheres in these prints is driven by a varying set of parameters, such as duplication, fragmentation, and deformation. As mesmerizing as the final artworks are, the end product is not the artists†prime focus. The duo is more interested in the process which generates the complex geometries. Their artistic medium is algorithms, and their aesthetic interventions are steered by varying the parameters of the rules which drive the creation of each form.

Say the artists: “We work on the interface of computer science and design, combining both disciplines. In this area of conflict we search for new processes by investigating and analyzing graphic interventions; itâ€s what fascinates and drives us. In our creative process we operate purely digitally with the help of our main working tool, the computer. It acts as our laboratory where we establish all rules and parameters, much like creating a digital blueprint. Working in the digital space allows us to create without limitations, focusing entirely on the generation of forms.”

Each print in the Generative Methods exhibition is accompanied by an infographic which illustrates how each image was generated, providing a fascinating context to the artists†work.

Christoph Bader and Dominik Kolb are currently students at the University of Applied Sciences in Weingarten- Ravensburg, Germany where they are writing their thesis on 3D printing and are developing an interactive software which will allow users to create their own 3D printed sculptures based on generative methods. They are also collaborating with artist and scientist Neri Oxman at MIT Media Lab to create grown and 3D printed clothing with embedded living matter.

(text by Bettina Forget)

More info at www.visualvoicegallery.com

This week’s selections of four artworks you should go and see in the Belgo takes the birds-eye view. Clockwise from top left:

Karina Nimmerfall at Art 45, Michel Niquette at Galerie Joyce Yahouda, Suvinai Ashoona at Laroche/Joncas, John Player at Pierre-François Ouellette Art Contemporain

Je le dis tout de suite, j’aime ce genre d’exposition. J’aime quand on nous donne plein de matériel tout en nous laissant la chance de créer nos propres liens, de faire nos propres scénarios, avec juste assez de poésie pour que le travail se fasse tout seul (ou presque). J’aime aussi qu’on me fasse part de moments inattendus à l’autre bout de la planète, de vies banales, mais différentes, juste différentes parce qu’elles prennent place dans un tout autre contexte que ma vie à moi. Pendant un stage en France, à Saint-Denis, j’ai découvert le travail de Nogo Voyages explorant beaucoup les thèmes de l’urbanisation, de la déambulation, des banlieues, de la ville utopique, et cetera, et celui de Lili range le chat (Caroline Bernard et Damien Guichard) et de Michiko Tsuda, qui signent en ce moment Géodésie à la Galerie B-312, s’inscrit tout à fait dans cette lignée.

Je n’irai pas dans le détail de tout ce qui s’y trouve étant donné que la plupart des projets se révèlent d’une ampleur assez incroyable lorsqu’on s’y attarde, mais je peux tout de même expliquer brièvement de quoi il en retourne. La majorité des Å“uvres utilisent des technologies actuelles — webcam, GPS, Google Street View, et cetera —, dans une optique d’exploration du monde, ou plutôt d’exploration des tentatives d’exploration du monde par la technologie. Je vous ai perdus? Bon, pour clarifier tout ça, disons simplement que les artistes testent en quelque sorte les limites de ces outils, en se servant par exemple du décalage involontaire d’une vidéo émanant d’une webcam placée à l’autre bout du monde pour créer une chorégraphie, ou encore en imprimant le résultat distordu d’un travelling issu d’un voyage en voiture de Rio de Janeiro à São Paulo. Ce ne sont que deux exemples un peu flous, mais l’ensemble des projets reflète cette volonté d’intégrer la surenchère d’informations nouvelles et de plus en plus précises afin d’en faire ressortir les défaillances.

En plus d’Å“uvres vidéographiques ou photographiques de type documentaire, au centre de l’espace sont disposées six chaises, bien alignées comme dans une salle d’attente, où un texte découpé à la manière d’une pièce de théâtre ou d’un scénario (Six semaines de parallèles confondues: trente allers-retours entre ici et le centre de radiothérapie), est posé sur chaque banc, vestige d’une performance à six voix qui a eu lieu au tout début de l’exposition et dont nous pouvons aussi voir le résultat sur une petite télévision au sol. Quand je parlais plus haut de poésie, c’est en grande partie grâce à cette Å“uvre à plusieurs volets qu’elle se manifeste, et les mots de Caroline Bernard prennent parfois aux tripes. Il est évident que j’en aurais encore beaucoup à dire à ce propos, mais rien ne vaut une visite en bonne et due forme, alors je vous laisse découvrir tout ça à votre façon (mais vous conseille tout de même de vous y attarder un peu afin d’en apprécier les subtilités), et encore une fois, je vous invite à consulter les sites personnels des artistes expliquant en détail la démarche. Et si ce genre de chose vous intéresse, je vous encourage aussi à voir le superbe film interactif INSITU d’Antoine Viviani qui s’attarde à l’espace urbain et à ses tentatives d’investissement par l’art.

Galerie B-312, espace 403
Lili range le chat (Caroline Bernard et Damien Guichard) et Michiko Tsuda
Géodésie
25 avril au 25 mai 2013
www.galerieb312.ca

This week’s picks of four artworks you should check out in the Belgo are supporting a good cause: they are all from the Vente bénéfice currently running at Galerie B-312. Clockwise from top left:

Catherine Béchard/Sabin Hudon, Martin Désilets, Jo-Anne Balcaen, and Louise Viger, all at Galerie B-312

Je n’ai jamais mis les pieds en Abitibi de ma sainte vie, même pas quand j’étais bébé, mais les gens que je côtoie qui en sont originaires semblent manifester un attachement particulier à ce coin de pays. D’ailleurs, sans lien aucun avec le contenu de cet article, je viens tout juste de visionner le documentaire Voir Ali au sujet la visite improbable du légendaire Cassius Clay à Rouyn-Noranda en 1983, qui témoigne de cette espèce de persévérance à toute épreuve et de cette capacité à réaliser de grandes choses avec peu. Bref, l’exposition d’Andréanne Godin présentée à la Galerie B-312 en ce moment me replonge dans cet esprit de fierté et témoigne d’une affection touchante et personnelle pour cette région.

Le tout débute sur une lettre adressée à M. Sean Roosen, président de la compagnie Osisko, dont la mine d’or à ciel ouvert et autres chantiers massifs font autant de travailleurs et d’hommes d’affaires heureux que de citoyens mécontents. Proposition d’acquisition de paysage (2011), l’Å“uvre en question, consiste donc en une offre d’achat d’une parcelle inexploitable de roche stérile de 6 X 2 ½ X 1 ½ pouces, tentative de conserver un peu de la beauté du secteur, de même qu’en une boite de luxe aux dimensions correspondantes, prête à accueillir ce précieux souvenir. Manifeste, expérimentation conceptuelle, mais surtout très beau morceau poétique. Ce qui est aussi très, poétique, c’est Avant le bruit (2013), projet présenté dans la pièce adjacente, s’attardant encore une fois au panorama de l’Abitibi, mais sous forme de récit de déambulation. Godin y raconte sa quête pour trouver la meilleure talle de bleuets sauvages à travers la « vallée de l’or », la forêt boréale, les pentes, les plateaux, notant au passage les variations sonores de ces endroits. Des petits bleuets de graphite servent de compléments tangibles à la bande audio, minutieuses petites sculptures de taille réelle qu’on aurait presque envie de manger s’ils n’étaient pas aussi gris et durs.

La pièce maîtresse, Montagne stérile (2013), est une installation en tricot reproduisant la caractéristique montagne de roche abitibienne, et le résultat est assez impressionnant. J’ai bien aimé que les gens de B-312 l’aient placée devant les grandes fenêtres, laissant la lumière naturelle l’éclairer et raviver ses couleurs ternes, comme si on était sur le terrain, justement. Toujours dans une représentation du paysage rocheux, le dessin à l’encre ayant donné son nom à l’exposition, Le mur (2011), reprend ces teintes grisâtres, mais le trait de Godin est très sensible, et pour avoir vu quelques-unes de ses Å“uvres sur papier dans un autre contexte, celle-ci s’inscrit dans la lignée.

Avec seulement quatre pièces (j’en aurais définitivement pris un peu plus), Godin démontre une très bonne versatilité, employant toute une variété de médiums afin de traiter d’un seul et même sujet, et parvient à sensibiliser le spectateur lambda aux enjeux environnementaux de sa contrée natale. À voir.

Galerie B-312, espace 403
Andréanne Godin
Le mur
21 février au 23 mars 2013
www.galerieb312.ca

Je n’ai jamais été une grande passionnée des sciences, préférant de loin les disciplines artistiques au moindre reportage scientifique, et si on ne m’avait pas fortement recommandé de choisir la chimie et la physique en cinquième secondaire, je n’aurais probablement jamais fait la connaissance du tableau périodique et de ses éléments. Toutefois, chaque fois que je vois une exposition intégrant des notions scientifiques à un contenu artistique, je suis fascinée. Ce fut le cas lors de ma visite à la galerie Les Territoires, qui présente en ce moment De la nature, un projet de leur programme de réflexion critique regroupant quatre artistes-chercheurs de talent. Ceux-ci s’étant associés à des biologistes, entomologistes ou ingénieurs, il en résulte un travail complexe qui suscite curiosité et émerveillement, même chez les plus rébarbatifs (comme moi).

En entrant dans l’espace d’exposition, la première chose qui saute aux yeux, c’est à quel point on se croirait dans un laboratoire. Tout semble aseptisé, les bruits sont étranges, l’atmosphère est un peu inquiétante. Je suis d’abord attirée par des cubes transparents où reposent des échantillons d’une sorte de gélatine verdâtre remplie de petits points noirs qui, en s’approchant, m’apparaissent plutôt comme de petits organismes vivants, des microbes, des poils, quelque chose du genre (on se rappelle que je n’y connais absolument rien en science). L’aspect est séduisant, hypnotisant. L’Å“uvre de Kelly Andres est aussi accompagnée d’une étrange vidéo mettant en scène des numérisations tridimensionnelles d’objets de son studio, vidéo que l’on peut d’ailleurs voir juste ici, et d’un cabinet de bois renfermant une imprimante 3D ayant servi à concevoir certains échantillons de l’ilot et quelques autres items épars.

Dans l’autre pièce, un aquarium dont on a amplifié le son, rempli de minuscules poissons et de quelques babioles décoratives, sert de terrain d’expérimentation à l’artiste Claire Kenway. Juste à côté sont exposées les recherches de Brandon Ballengée, principalement axées sur la qualité de l’eau et son effet sur les organismes vivants qui l’habitent. L’artiste y a exposé différents spécimens de grenouilles souffrant de malformations diverses, et s’est aussi servi d’un échantillon d’eau d’étang pour une autre partie de son projet. Alison Reiko Loader, quant à elle, propose des vidéos habilement projetées dans quatre cercles au mur, à la manière d’objectifs de microscopes. Celle-ci présente l’évolution de bestioles grouillantes, alternant entre gros plans, arrêts sur image, et cetera, et créant parfois des scènes horrifiantes pour quiconque n’est pas friand d’insectes. Juste à côté, sur une petite table, des spécimens sont préservés dans de petites pastilles transparentes, et nous sommes invités à les examiner à l’aide d’une loupe. Une vidéo projetée crée alors une illusion saisissante, donnant l’impression que la table fourmille d’organismes vivants, d’insectes qui se reproduisent et meurent.

Au-delà des réels enjeux abordés par les artistes, ce qui est intéressant, c’est que ceux-ci se servent des codes visuels et du langage de la science pour mener à bien leurs projets artistiques. Ce faisant, ils brouillent les frontières entre les deux disciplines et créent un environnement où tout semble possible, et où le vrai et le faux se côtoient sans cesse. Cette zone m’apparaît très riche, et j’espère bien revoir d’autres projets de ce type dans un avenir rapproché. Pour l’instant, je vous invite à vous rendre aux Territoires et à expérimenter cet entre-deux fascinant, autant d’un point de vue scientifique qu’artistique.

Les Territoires, espace 527
Kelly Andres, Brandon Ballengée, Claire Kenway et Alison Reiko Loader
De la nature
18 janvier au 23 février 2013
lesterritoires.org

This week’s selection of four noteworthy artworks currently on show in the galleries of the Belgo building use subtle hues to convey strong concepts. Clockwise from top left:

Diane Gougeon at Circa, Alex McLeod at Galerie Trois Points, Carlito Dalceggio at Galerie SAS, Meriol Lehmann at Galerie B-312

Cette semaine, j’ai envie de vous parler d’une minuscule exposition (de cinq Å“uvres seulement) qui m’a bien plu pour la richesse de ses propositions, mais aussi pour son discours sous-jacent qui m’a permis de découvrir un texte plus qu’intéressant du grand Le Corbusier. Depuis un cours d’architecture américaine suivi à l’université il y a quelque temps, je dois dire que tout ce qui touche de près ou de loin à cette discipline, surtout lorsqu’elle est combinée aux arts visuels, me ravit au plus haut point. L’exposition Espaces indicibles présentée dans la petite salle de la Galerie Trois Points en ce moment ne fait pas exception à la règle, puisqu’elle met en scène le travail de trois jeunes artistes ontariens explorant le troisième art dans leur pratique.

Le Corbusier, dans son texte de 1945 L’espace indicible, parlait d’une quatrième dimension semblant « être le moment d’évasion illimitée provoquée par une consonance exceptionnelle juste des moyens plastiques mis en Å“uvre et par eux déclenchée. »¹ Pour lui, donc, seule la réunion de l’architecture, de la sculpture et de la peinture en une perfection et une précision absolues permet d’atteindre cette dimension où règne l’harmonie. Je résume rapidement, mais disons que l’essentiel du discours est à peu près là. Les trois artistes nous invitent donc à expérimenter cet espace, chacun à l’aide de médiums totalement différents.

Tout d’abord, Luke Painter utilise le dessin à l’encre pour Saarinen House (2012), Å“uvre où l’étrangeté côtoie le détail et l’ornementation et de laquelle il se dégage une sensation de solitude inquiétante, un peu comme dans certains travaux surréalistes de De Chirico. Ici, toutefois, l’architecture est mise à l’avant-plan alors que Painter joue sur les textures comme la pierre des murs ou la tuile romaine du toit, mais les juxtapose à un environnement improbable, alors que des arbres dont les bouts semblent avoir été taillés sont disposés à l’avant et où les fenêtres reflètent un beau ciel bleu alors que la maison est disposée dans un vide blanc. 

Alex McLeod, quant à lui, crée par ordinateur des univers fantastiques rappelant parfois celui des jeux vidéo et flirtant aussi avec le surréalisme. Dans Secret Room (2012), par exemple, l’artiste crée un espace rappelant les villages de Noël construits sous le sapin ou encore celui des Schtroumpfs. On a l’impression d’entrer dans un monde miniaturisé où des constructions de bois partagent le terrain avec des formes chatoyantes, énigmatiques. Black Yellow (2011) est plus futuriste, reprenant ces formes presque sensuelles et les plaçant dans un environnement fait de miroir et de latex.

Les espaces créés par James Oley sont à des lieues de ceux des artistes mentionnés précédemment, se rapprochant presque de l’abstraction. Oley utilise la peinture à l’huile de façon très gestuelle, ce qui donne un rendu plus flou et ajoute à l’aspect « en construction » des univers créés, puisqu’on a l’impression d’entrer sur un chantier où les murs n’auraient pas encore été mis en place ou encore dans une bâtisse en cours de démolition. L’ensemble est dynamique, presque mouvant, et les couleurs utilisées (bleu ciel, rose, mauve, brun, entre autres) ajoutent à cet effet.

Bref, si vous avez envie de vous projeter dans des architectures complètement folles ou simplement d’admirer la maîtrise technique exemplaire des artistes présentés, je vous encourage fortement à visiter l’exposition, et la connaissance de Le Corbusier ou de l’architecture est tout sauf nécessaire pour apprécier l’ensemble.

¹Tiré du texte de 1945 L’espace indicible de Le Corbusier, que je vous invite à télécharger ici gratuitement.

Galerie Trois Points, espace 520
Alex McLeod, James Olley et Luke Painter
Espaces indicibles
17 novembre au 15 décembre 2012
www.galerietroispoints.qc.ca